Si écrire une chanson peut être quelque chose de naturel pour certains, pour d’autres c’est un véritable tour de force.
Mais pas de panique ! Avec cet article, je vais vous expliquer comment procéder et quels sont les éléments importants à travailler pour réussir vos compositions à coup sûr.
(D’ailleurs, même si vous avez de la facilité à écrire des chansons, cet article vous aidera sûrement à développer vos compétences ou à mieux comprendre ce qui marche, alors restez avec nous !)
Écrire un bon morceau n’est pas une question de matériel, mais de méthodologie.
Si vous regardez de plus près les chansons présentes dans vos playlists, vous remarquerez qu’elles suivent presque toutes une structure spécifique et qu’elles ont des éléments communs… Et la bonne nouvelle c’est que ça n’a rien de sorcier !
Alors, prêt(e) à composer de super chansons ? C’est parti !
Tout d’abord, de quoi est composée une chanson ?
Nous sommes tous conscients qu’une chanson, ce sont des paroles chantées et une musique qui portent un message et une émotion. Mais c’est aussi un peu plus que cela.
Pour qu’une chanson marche, il faut prendre en compte d’autres choses qui vont apporter des nuances, et donner de la vie à la composition :
- Une mélodie accrocheuse,
- Un groove,
- Une structure qui évolue,
- Un hook,
- Des paroles,
- Une performance vocale.
La mélodie
C’est l’élément le plus important, car c’est elle qui nous restera en tête et nous donnera envie de réécouter le morceau.
Elle peut être chantée par l’interprète ou jouée par un instrument ; son but est de porter l’émotion principale de la chanson.
Une bonne mélodie doit être facile à retenir et paraître simple. Mais ça ne veut pas dire que c’est facile à faire, au contraire !
Il est donc primordial de passer un peu de temps dessus, quitte à ouvrir quelques livres de théorie musicale pour mieux comprendre les règles d’harmonie et savoir quelles notes vous pouvez jouer pour rester cohérent.
Les paroles
Le texte est un élément important, car c’est lui qui portera l’humeur et le message de la chanson. Tout ce qui vous inspire une émotion peut être un bon sujet de chanson.
Le sujet de votre chanson ne doit pas être trop compliqué, et même si c’est le cas, faites en sorte qu’il soit facile d’accès au plus de monde possible.
Utilisez un langage accessible et des images fortes. Il faut que votre audience s’identifie à ce que vous dites si vous voulez garder son attention.
Comme pour un livre ou un article, c’est avec la première phrase que tout se joue : elle ouvre le bal et se doit d’être accrocheuse.
Prenez donc le temps de bien y réfléchir, quitte à essayer différentes phrases. Souvenez-vous que vous voulez attiser la curiosité de votre auditoire pour lui donner envie d’en écouter plus.
Pour la suite, préférez un texte court et avec des images puissantes, plutôt que de longues phrases insipides dans lesquelles il serait facile de se perdre…
Les refrains peuvent être identiques. L’idée ici est d’appuyer le message de la chanson. Que diriez-vous si vous deviez résumer votre texte en quelques vers ?
Si vous avez du mal à écrire des paroles, je vous conseille d’aller jeter un œil à l’article que j’ai écrit sur le syndrome de la page blanche, vous y retrouverez des astuces très utiles !
La performance vocale
Complémentaire aux paroles et à la mélodie, la performance vocale de l’interprète joue un rôle crucial.
Écrire un bon texte ne vous servira à rien si vous n’arrivez pas à y mettre l’intention au moment de le chanter ou que vous êtes enroué(e). Votre voix doit mettre en valeur votre texte.
Prenez le temps de travailler votre ligne mélodique vocale et de bien répéter chaque section avant l’enregistrement. Et surtout, prenez toujours soin de vous échauffer les cordes vocales ! Vous risqueriez de vous blesser en forçant trop.
De manière générale, si vous êtes chanteur(euse), songez à bien vous hydrater et à avoir une bonne alimentation, à faire des exercices vocaux réguliers, à travailler votre respiration abdominale (le fameux diaphragme) et à reposer votre voix avant une performance.
N’hésitez pas à faire appel à un coach vocal pour vous aider à prendre les bonnes habitudes et à travailler correctement vos lignes mélodiques.
Prévoyez un également un environnement adéquat lorsque vous vous enregistrez. La qualité de votre performance ne devrait pas être compromise par des bruits de fond indésirables qui s’entendront sur la piste audio (voisins qui parlent fort, trafic de voitures, …).
Si vous ne pouvez pas vous offrir un enregistrement studio, aménagez-vous un endroit (et/ou un créneau horaire) où vous serez au calme pour vous enregistrer correctement.
La structure
Une chanson repose généralement sur une structure définie par différentes sections qui feront évoluer l’énergie du morceau :
- Introduction
- Couplets (Verse)
- Pré-refrain (Pre-chorus)
- Refrain (Chorus)
- Pont (Bridge)
- Outro
La structure musicale la plus utilisée en musique pop est :
A-B-A-B-C-B-B
(A désignant le couplet, B le refrain, et C le pont)
Au fil du temps, les chansons sont devenues de plus en plus courtes (en moyenne 3 minutes, contre 4 minutes il y a encore quelques années).
La longueur de l’introduction s’est donc extrêmement réduite, voire a complètement disparu. Pour rester dans un format « pop », essayez donc de ne pas dépasser 2 à 4 mesures d’intro.
C’est dans les couplets que l’on raconte l’histoire de la chanson. Chaque couplet devra présenter de nouvelles paroles qui feront évoluer l’émotion. La durée est généralement de 8 mesures.
Les pré-refrains servent de transition entre les couplets et les refrains. À ne pas confondre avec le bridge qui apparaîtra un peu plus loin, et qui aura pour but de casser la dynamique du morceau.
Les refrains ont généralement des paroles et une mélodie identiques ; cependant, plus on avance dans le projet, plus on ajoutera de l’énergie à l’aide de nouveaux éléments afin d’amorcer le grand final (apparition d’un instrument ou d’une couche supplémentaire de voix par exemple).
Essayez de varier et de couvrir le plus de fréquences possible dans cette section pour la faire ressortir des autres passages.
Le pont, ou bridge, comme mentionné un peu plus haut, a pour but de briser la dynamique du morceau pour ramener l’attention de l’auditeur, et donner du relief à la composition.
Cela peut être fait en changeant de gamme, d’instrumentation ou de rythme, ou en modulant la progression d’accords.
Si votre chanson est énergique, tournez-vous vers un pont calme, et à l’inverse, si votre chanson est plutôt calme, donnez un bon boost d’énergie dans cette section.
L’outre, quant à elle, sert de conclusion. Ici, on fera redescendre l’énergie du refrain final afin d’éviter une fin abrupte.
Une fois que votre structure est prête, il est temps de travailler sur les transitions entre chaque section.
Les transitions ont pour but de donner plus d’impact et de rendre plus fluide le passage entre deux sections (par exemple couplet et prérefrain).
Encore une fois, cela donnera un effet de surprise qui gardera vos auditeurs accrochés à votre musique durant tout le morceau.
Pour ce faire, il existe différentes techniques, par exemple :
- Ajouter un effet (FX), par exemple une cymbale, un « noise » (bruit blanc ou bruit rose) ou un « rise up »,
- Ajouter des « Drum fills » (variation ponctuelle d’une phrase rythmique),
- Un silence (qui peut ou non laisser place à un instrument en solo),
- Un son ou une phrase inattendu.
Vous pouvez aussi jouer avec les filtres de vos EQ, ajouter un delay ponctuel, faire un « Reverse Reverb », … bref, un tas de solutions sont possibles.
Je vous invite d’ailleurs à aller approfondir un peu plus toutes ces petites astuces (regardez sur le web ou sur YouTube, vous trouverez de multiples exemples et explications pour vous aider à mieux les comprendre).
Le groove
Ce terme désigne la dynamique particulière et/ou unique d’un rythme, souvent dansant et entraînant, sur lequel s’appuieront tous les autres instruments et la voix.
On l’attribue généralement à la section rythmique, mais il peut aussi être défini par une guitare ou une basse (les « cocottes » funk en sont un bon exemple).
Le groove est également une technique de production musicale qu’on utilise pour humaniser des performances électroniques en variant l’emplacement et la vélocité des notes sur une séquence, de façon plus ou moins prononcée.
Cela permet de donner plus de réalisme et de sortir d’un schéma prévisible qui deviendrait vite ennuyeux.
Il existe différentes façons d’intégrer du groove dans une production musicale :
- Les « ghost notes »,
- le swing et le shuffle,
- la syncope.
Les « ghost notes » (aussi appelées « dead notes » ou « muted notes »), enrichissent une performance grâce à des notes jouées de manière discrète entre les temps forts.
Elles permettent de complexifier la rythmique et de lui donner plus de nuances. Elles ne s’entendent pas forcément, mais si vous les enlevez, vous remarquerez tout de suite qu’il manque quelque chose !
Le swing et le shuffle, sont deux formes rythmiques basées sur le triolet. Si vous avez déjà écouté du blues ou du jazz, vous êtes peut-être familier avec cette technique : c’est la sensation d’accélération ou de ralentissement des notes sur certains passages.
Comment ça fonctionne ? Pour faire simple, prenez la durée d’un temps (par exemple une noire) et divisez-la en trois parts égales, puis placez une note sur le premier temps, et une sur le dernier (contrairement aux triolets, on ne jouera pas le temps du milieu).
Enfin, la syncope est l’action de débuter une note ou un accord sur un temps faible, et de la prolonger sur le temps fort suivant.
Souvent jouée à un moment inattendu, elle peut être ressentie comme « off-beat » et offre une nouvelle nuance de jeu qui rattrapera l’attention de l’auditeur.
Afin de trouver le bon « feeling » pour votre morceau, n’hésitez pas non plus à tester différents tempos.
Un rythme rapide n’est pas forcement plus attrayant qu’un rythme lent ; trouver le tempo qui correspond le mieux à l’émotion de votre chanson peut faire toute la différence.
Le « Hook »
Le hook, « crochet » en anglais, est une idée musicale courte et simple (comme un riff de guitare ou une phrase) que l’on répète plusieurs fois tout au long du morceau et qui a pour but de capter l’attention de l’auditeur.
Il peut être mélodique ou rythmique, et intègre souvent le motif principal du morceau. Il n’est d’ailleurs pas rare de le retrouver dans le refrain, mais ce n’est pas systématique !
Pour un hook efficace, ne cherchez pas à faire trop compliquer. Souvenez-vous qu’il doit être facile à mémoriser et à chanter.
Par exemple, pensez à la ligne de basse de « Seven Nation Army » des White Stripes, à l’introduction de « Still D.R.E. » de Dr. Dre et Snoop Dogg, ou encore au « Hey-ey-ey » du refrain de « What’s Up » des 4 Non Blonds. Simple, facile et efficace.
Plus de 20 ans plus tard, ces morceaux continuent d’enflammer les foules grâce à leurs hooks facilement reconnaissables.
Pour vérifier que vous avez un bon hook, faites-le écouter à un(e) ami(e) et demandez-lui ensuite de le rechanter. S’il y arrive, vous avez réussi ! … Et s’il n’y arrive pas, retravaillez-le pour le rendre plus simple.
Conclusion
J’espère avoir pu vous aider à mieux comprendre les différents éléments qui composent une chanson. Et même si vous n’évoluez pas dans le milieu de la pop, ces astuces ne peuvent que donner plus d’impact à votre musique.
Souvenez-vous qu’il faut garder les choses simples et courtes afin que ce soit facile à retenir pour votre audience.
Pensez aussi qu’une fois tout ce travail accompli, il faudra l’envoyer au mixage et au mastering pour finaliser et polir votre projet !
Bien entendu, par cet article je ne prétends pas faire de vous le prochain « hit maker », mais de vous guider sur les points stratégiques à développer pour réussir à écrire une chanson dont vous être fier. La suite ne dépend que de vous.
Et si vous n’y arrivez pas du premier coup, surtout ne vous découragez pas ! Rome ne s’est pas construit en un jour. Écrire de bonnes chansons est un art qui se développe au fil du temps à force de pratique.
Cet article a été rédigé par Amy Lyhie pour MarketingMusical.fr
Auteure-compositrice-interprète sous le pseudonyme Amy Lyhie, et technicienne audio passionnée, Émilie prend plaisir à aider d’autres artistes DIY à mieux comprendre l’industrie musicale d’aujourd’hui.
