Les 4 Règles d’Or de la Nouvelle Industrie Musicale

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Nous ne sommes plus en 2002. C’est un fait. Alors pourquoi continue-t-on à regarder l’industrie musicale comme si elle n’avait pas changé ?

Rappelez-vous… Dans les années 80 et 90, la plupart des musiciens avaient pour objectif de devenir des rockstars en signant en maison de disque, pour enfin tourner et être diffusé en radio et en télé. Dans l’inconscient collectif, signature = succès.

C’est ce rêve que l’industrie musicale nous a vendu pendant des décennies avant la démocratisation du Web 2.0.

La signature en label étant le sésame incontournable pour réussir dans la musique à cette époque, les artistes n’espéraient qu’une chose : se faire repérer par une maison de disque afin de pouvoir se consacrer intégralement à leurs oeuvres.

Le souci c’est que (pour bien des raisons) ce système ne marche plus.

Les labels ont changé. Les fans de musique ont changé. La vente de musique a changé. Les règles ont changé. Et vous devriez aussi.

Si vous êtes un artiste ou un groupe de musique émergent et que vous souhaitez pérenniser votre carrière, vous devez intégrer les règles d’or de la nouvelle industrie musicale et arrêter de regarder en arrière.

Règle d’or n°1 : Agir comme une start-up

De nos jours, l’artiste ne peut se contenter de produire et de vendre sa musique. Il doit vendre une expérience. Il doit vendre une histoire. Il doit vendre son image de marque.

Ce point est particulièrement important puisqu’il sépare souvent les musiciens amateurs des musiciens professionnels.

Pour attirer l’attention des professionnels et fédérer plus de fans, le musicien doit désormais maîtriser son image et sa stratégie.

Et cela implique de nombreuses choses. À commencer par le fait que l’artiste ne doit plus se considérer simplement comme un producteur, auteur, compositeur et/ou interprète.

Pour réussir, il faut voir au-delà de la musique.

Il faut considérer son projet musical comme un véritable business et agir tel un entrepreneur.

Concrètement, vous devez faire ce qu’un label ferait pour vous et gérer toute la partie commerciale : étude de marché, relations presse, marketing, communication, lancements, partenariats, etc.

Certains artistes peuvent bien sûr compter sur les labels pour la partie marketing, mais les signatures se faisant de plus en plus rares, il s’agit tellement d’une minorité que cela en devient négligeable.

Si vous souhaitez vous démarquer, vous devez proposer plus que votre musique. Or, cela implique de prendre du recul sur votre projet musical et de vous former au marketing.

Je sais que beaucoup de musiciens n’aiment pas lire cela, mais si vous démarrez de zéro, alors c’est probablement l’une des seules manières d’à terme vivre… de votre musique !

Sans promotion ni branding, la musique seule ne peut suffire.

Ne vivez pas dans l’attente de trouver quelqu’un qui promouvra votre musique. Soyez cette personne.

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Règle d’or n°2 : Tout miser sur sa stratégie de contenu

Au cas où vous ne l’auriez pas remarqué, nous vivons dans une ère de surconsommation continue d’information.

Il suffit d’ouvrir une page Internet pour que notre cerveau soit sollicité par des dizaines de contenus plus ou moins pertinents.

Qu’est-ce que cela change pour votre projet musical ?

Eh bien, cela signifie que vous pouvez soit en profiter et jouer le jeu en mettant en place une stratégie de contenu optimisée pour attirer des fans potentiels, soit sombrer dans l’oubli en négligeant cet aspect et en perdant dès le début la bataille de l’attention.

La vérité est qu’aujourd’hui vous avez tous les outils à votre disposition pour tirer profit des opportunités offertes par le Web : vos fans sont présents en ligne en masse et il vous suffit d’avoir le bon contenu pour capter leur attention et les fidéliser.

Sans publication de contenu (textes, photos, vidéos, sons), il est extrêmement difficile d’exister sur Internet et d’intéresser les fans comme les pros, dans une société aussi digitalisée.

Que publier ? Cela varie en fonction de la plateforme et du public visé, mais c’est certain que vous allez devoir multiplier les publications à destination de vos fans potentiels et actuels si vous voulez les intéresser et rester dans leur esprit.

Cela signifie que vous devez publier du contenu régulièrement plutôt que de seulement communiquer quand vous sortez un nouvel EP ou album.

Vous devez devenir votre propre média. D’ailleurs vous trouverez ici une centaine d’idées de contenu à publier si vous êtes musicien.

Règle d’or n°3 : Privilégier la quantité et l’authenticité à la « qualité »

Vous l’aurez compris, il faut publier du contenu régulièrement. Ainsi il vaut mieux ne pas être perfectionniste pour durer.

Mais quand on y réfléchit, c’est une bonne chose.

Grâce à Internet, nous ne vivons plus dans un monde où les artistes à succès sont des demi-dieux, parfaits et intouchables comme il y a quelques années.

Bien sûr, il y a toujours des pop stars à l’ego surdimensionné et des majors prêts à payer des millions pour polir toujours un peu plus leur image, mais dans l’ensemble le rapport fan-artiste s’est largement humanisé.

L’artiste d’aujourd’hui à des défauts, interagit directement avec ses fans, sait faire preuve de vulnérabilité, prend des selfies et est fondamentalement HUMAIN.

Tout n’est pas parfait dans sa communication (musique, photos, vidéos, etc.) et c’est tant mieux.

Car le perfectionnisme est l’ennemi de la créativité, de la productivité et de l’authenticité, trois éléments indispensables pour développer une relation fan-artiste saine et intelligente en ligne.

De nos jours, vous ne pouvez plus vous contenter de sortir un album et quelques clips « parfaits » tous les 2/3 ans.

Autrement, vos fans ne vous attendront pas et iront voir ailleurs. Vous devez faire partie de leur quotidien et donc être moins exigeant envers vous-même.

Bien entendu, il ne faut pas pour autant tomber dans l’amateurisme et bâcler ses contenus en invoquant l’authenticité et la vulnérabilité.

Mais une fois que vos contenus sont d’une qualité satisfaisante par rapport à ce que vous visez, il est sûrement préférable de ne pas passer des heures à peaufiner inutilement les moindres détails.

Diffusez, promouvez, puis passez à autre chose.

C’est d’ailleurs multipliant les diffusions de contenus imparfaits que petit à petit vos contenus (sons et vidéos notamment) deviendront meilleurs !

Ainsi, privilégiez la quantité et l’authenticité à la recherche d’une pseudo-perfection qui vous handicaperait plus qu’autre chose.

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Règle d’or n°4 : Mettre le fan au centre de tout

Totalement négligée depuis la nuit des temps par les gros labels, la relation fan-artiste est pourtant aujourd’hui un des piliers de la nouvelle industrie de la musique, au côté de l’entrepreneuriat musical et de la stratégie de contenu de l’artiste.

Là où l’ancien modèle visait à considérer les fans d’un projet comme une masse sans identité et au potentiel limité, l’artiste d’aujourd’hui sait que toute la valeur de son projet réside dans la proximité avec son public.

Une excellente stratégie marketing dans la nouvelle industrie musicale consiste donc à personnaliser son message un maximum plutôt qu’à viser une masse sans nom comme dans le passé.

Il faut se focaliser sur la construction de relations fortes et sincères entre l’artiste et chaque individu de sa fanbase.

Cela peut se faire aussi bien dans la vraie vie, en vidéo (live ou non), sur les réseaux sociaux, via une application,  grâce à l’email marketing, etc.

À terme, c’est en prenant soin de sa fanbase et en l’écoutant attentivement que le musicien pourra pérenniser son projet dans ce nouvel écosystème. On ne cherche plus à intéresser une poignée de pros (manager, label ou autres) pour réussir, mais à séduire directement le public auquel on est destiné.

Par conséquent, gardez toujours en tête pour qui vous faites ce que vous faites et multipliez les échanges avec votre fanbase avant de passer à la monétisation (lancement, crowdfunding, Patreon/Tipeee, etc.).

Ne faites pas comme les majors qui vivent encore dans le passé et qui visent la masse. Ciblez votre niche et échangez avec les individus.

Conclusion

On aimerait tous pouvoir dédier l’intégralité de notre temps à notre musique. Mais ce n’est juste plus comme cela que ça marche. L’industrie de la musique a changé et si vous regardez encore en arrière, alors vous devriez aussi.

La nouvelle industrie de la musique offre chaque jour des millions d’opportunités pour les musiciens qui comprennent ces 4 règles d’or et qui adaptent leur stratégie à ces nouveaux codes.

Évidemment, il est plus facile de s’inspirer du passé que d’affronter le futur, mais si vous faites partie des musiciens qui s’adaptent et évoluent alors vous serez plus prêt que jamais à construire une carrière saine et durable.

Musicalement,

Guillaume de Marketing Musical