Identité Visuelle et Artistique : 4 Idées Fausses qui Freinent le Musicien

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C’est un fait, le marché de la musique est aujourd’hui saturé et hyper compétitif. À cause de cela, ce n’est guère étonnant que vous n’obteniez pas facilement la visibilité que vous estimez mériter.

Des dizaines de milliers d’artistes indépendants comme vous peinent au même moment à se démarquer et à retenir l’attention de leurs fans potentiels pour construire une vraie fanbase.

À vrai dire même pour les artistes établis, rester sur le devant de la scène nécessite une stratégie adaptée.

Et pour cause, pour avoir une chance de percer en tant que musicien indépendant, vous devez passer au niveau supérieur pour ce qui est de votre marketing.

C’est d’ailleurs pour cela que j’ai créé ce site qui vise à vous aider à améliorer votre promotion musicale. Mais ce n’est pas tout.

Vous devez également soigner votre image de marque, votre branding. Car si vous voulez faire carrière dans la musique, vous avez besoin de fidéliser pour le restant de vos jours vos fans les plus engagés.

Et pour cela, vous allez avoir besoin de créer plus de lien avec votre audience ciblée, ce qui passe dans un premier temps par votre identité artistique et par votre univers musical.

Ainsi, dans cet article nous allons revenir sur les idées fausses qui freinent les musiciens dans la construction de leur image de marque.

En effet, bien que cette étape soit cruciale dans le développement d’un projet musical, il n’est pas rare que le musicien émergent néglige cet aspect en se basant sur des idées reçues terriblement peu en phase avec le marché de la musique actuelle.

Idée fausse N°1 : « Ça ne sert à rien si on est un musicien en développement »

Peu importe votre nombre de fans ou la popularité de vos titres, votre identité artistique est probablement un des domaines les plus importants pour votre carrière.

Pourquoi ? Parce que vous avez besoin de fédérer autour de la couleur et de la personnalité de votre projet musical.

Si vous démarrez, alors c’est d’autant plus nécessaire de définir ses bases si vous souhaitez garder l’intérêt des fans potentiels que vous attirez.

Que vous le vouliez ou non, votre projet musical est une marque. Et vos fans comme les pros vont réagir différemment en fonction de votre image de marque.

Ainsi il faut comprendre cela et réaliser que vous pouvez influer consciemment sur votre identité artistique dans le but d’attirer plus facilement vos fans idéaux.

C’est aussi simple que cela. Si votre image de marque n’est pas en cohérence à la fois avec votre musique et votre public idéal, vous risquez de diffuser un message confus et qui peinera à susciter l’intérêt des personnes concernées.

Or c’est probablement là l’un des principaux problèmes majeurs des musiciens qui se lancent dans la musique : ils ne savent pas comment s’adresser à travers leur marque au public qui leur est destiné.

À cause de ça, ils n’arrivent pas à intéresser puis à fidéliser une communauté de fans, freinant leur début de carrière.

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Idée fausse N°2 : « On s’en fout, seule la musique importe »

Si vous pensez de cette manière, alors vous n’êtes probablement pas sur le bon site.

Ici on parle de marketing, car il s’agit d’une composante absolument essentielle pour tous les musiciens qui souhaitent vraiment se professionnaliser.

Bien évidemment, la musique passe avant tout le reste dans le succès d’un projet musical.

Cependant la musique ne fait pas tout. Ce n’est qu’une variable de l’équation.

Seuls, votre talent et votre musique ne seront pas en mesure de vous aider à percer. Car il faut également donner une identité à votre projet musical et la communiquer massivement d’une manière intelligente.

Regardez un peu les artistes qui réussissent aujourd’hui :

  • Sont-ils les plus talentueux ?
  • Font-ils la meilleure musique que l’on ait jamais entendue ?

Pas forcément.

Pour autant, ce qui les a aidés à bâtir de véritables cultes autour de leur projet musical, c’est l’identité artistique qu’ils ont diffusée.

Dit autrement, ils ont proposé quelque chose d’unique, de différent et qui correspondait à leur public. Ils se sont connectés avec leurs fans au niveau émotionnel à travers tous les éléments de leur image de marque afin que ceux-ci deviennent fidèles et engagés. Et cela vaut bien plus que n’importe quel buzz.

Peu importe si votre musique est « bonne », si vous n’êtes pas capables de vous connecter émotionnellement à travers votre image de marque avec vos fans, alors vous aurez du mal à aller plus loin.

Cela signifie que vous devez communiquer régulièrement autour de votre histoire et de votre message aussi bien visuellement que dans vos textes afin que vos fans puissent se reconnaître dedans et amener un sentiment d’appartenance.

Même si vous pensez que votre musique est d’une qualité « supérieure » à la moyenne du marché, cela ne veut pas dire que vous devez délaisser votre identité artistique. Car si vous n’en prenez pas soin consciemment et activement, elle communiquera quand même inconsciemment en votre nom.

Votre public réagit à votre image de marque que vous l’ayez clairement définie ou non, ainsi il vaut mieux en profiter pleinement en prenant le contrôle de votre identité artistique.

Idée fausse N°3 : « Je veux pas faire semblant d’être ce que je ne suis pas »

Personne n’aime avoir le sentiment d’être un imposteur. La bonne nouvelle c’est que vous n’avez pas besoin d’en être.

Dans un précédent article, j’abordais la nécessité pour un artiste qui démarre de faire semblant dans un premier temps en mimiquant l’artiste qu’il souhaite devenir. Fake it until you make it. Ce concept ne marche cependant pas si vous n’êtes pas à 100 % en adhésion avec votre nouvelle image de marque.

Contrairement à ce que l’on peut penser, un branding réussi ne vise pas à donner une identité radicalement différente en multipliant les artifices, juste pour plaire au marché.

Je vous rassure, vous n’aurez pas à tomber dans l’extravagance ou le trash pour vendre votre musique, si ce n’est pas ce que vous recherchez ou ce qui vous correspond.

Une image de marque efficace se doit d’être authentique. C’est-à-dire que le but n’est pas de remplacer ce qui fait que votre projet musical est comme il est, mais plutôt de révéler ces différents traits en les mettant en avant.

Vous devez jouer avec votre personnalité et votre image, plutôt que de vouloir copier les traits d’un artiste similaire connu.

C’est en restant authentique dans votre branding et en préservant votre intégrité que vous trouverez l’identité artistique qui correspond de manière optimale à votre projet musical et à votre public.

En effet, l’authenticité permettra à vos fans potentiels de s’attacher plus facilement à votre personnage, mais c’est aussi ce qui vous permettra de rester en adhésion avec l’image de votre projet.

Votre identité visuelle ne doit pas dénaturer qui vous êtes, mais plutôt amplifier les points que vous voulez communiquer à votre public afin d’attirer les personnes qui vous ressemblent. En somme, il s’agit de mettre avant la personnalité et le message de votre projet.

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Idée fausse N°4 : « J’ai un logo et des photos pros donc pas besoin de plus pour le moment »

Oui… mais non.

Très tôt dans votre carrière vous pouvez investir dans plusieurs éléments (logo, photos, clips, site web, etc.) plus ou moins tangibles vous permettant de représenter votre projet musical sur divers supports.

Ces outils sont autant de symboles utiles à votre identité visuelle, mais votre marque ne peut pas s’arrêter à cela.

Individuellement chaque élément peut donner des pistes aux fans comme aux pros par rapport à ce qui est de la personnalité de votre projet musical.

Cependant sans vision, sans rappel et sans cohérence avec le reste de votre identité artistique, vous n’arriverez pas à construire une culture derrière cela pour suggérer une interprétation commune et instaurer un sentiment d’appartenance.

On ne peut pas traiter votre identité visuelle comme autant de petites tâches à réaliser. Un logo ne sert à rien si la marque (votre projet musical) ne lui donne pas son sens.

Ces représentations sont des outils et non des finalités. Pour se démarquer, il faut aller au-delà des apparences et comprendre que l’on a face à nous un tout.

Le but du branding est d’influencer la perception de la marque des personnes exposées.

Sans vision, sans message et sans cohérence, chaque individu va former sa propre interprétation de votre marque et de votre histoire, n’étant pas confronté à une interprétation globale, claire et précise.

Le moindre aspect de votre projet musical va aider les personnes exposées à formuler leur propre opinion par rapport à l’identité de votre projet.

Il peut s’agir aussi bien :

  • De votre tenue sur scène
  • Des publications que vous partagez sur les réseaux sociaux
  • De votre manière d’interagir avec les fans en ligne et hors ligne
  • Des personnes avec qui vous collaborez
  • Des sujets que vous abordez dans vos posts et dans vos textes
  • Des titres dont vous faites la reprise
  • etc.

L’objectif des outils de branding que l’on a vu précédemment c’est d’aider à renforcer une certaine perception de votre image de marque auprès de votre public, afin d’amener du sens à la globalité de vos actions.

Ils servent à rappeler la nature du lien émotionnel entre votre projet musical et la personne concernée.

Mais encore faut-il que cette identité artistique soit clairement définie !

Votre image de marque étant constamment à la merci des jugements, vous devez être en contrôle total de l’histoire que vous diffusez afin que celle-ci continue de résonner chez votre public.

Cela signifie que le secret d’une image de marque réussie repose dans la cohérence de tous les éléments liés de près ou de loin au projet musical. Le branding ne revient pas seulement à investir dans l’achat d’un logo ou d’une pochette d’album. Ce ne sont pas eux qui font votre identité artistique, mais bien vous.

Ainsi, vous comprendrez que le branding ne peut se résumer à des choses tangibles ou même à une période donnée (campagne promo notamment). Chaque jour qui passe, vous partagez votre histoire, votre personnalité et votre message.

Assurez-vous donc que tous ces éléments (qu’ils soient tangibles ou non) sont bien en cohérence avec la personnalité et l’image de votre projet musical.

Au final, vous ne pourrez pas décider quelle sera la perception de votre musique par votre public, mais vous pouvez mettre toutes les chances de votre côté pour orienter leur subconscient.

Au fil des mois et des années, en multipliant les rappels concernant votre image de marque, vous construirez votre crédibilité, votre autorité dans ce sens et vous gagnerez la confiance de votre niche, vous permettant de fidéliser toujours plus de fans.

Conclusion

Si on regarde cela de plus près, il s’avère que le processus de création de votre identité artistique est bien plus proche d’un travail d’introspection que d’une liste de choses dans lesquelles investir.

Comprenez qui vous êtes, définissez ce que vous souhaitez représenter et à partir de là assurez-vous d’être constamment en cohérence avec cela quand vous communiquez au nom de votre projet musical.

Une fois que vous aurez les bases de votre identité musicale, l’objectif sera de bâtir votre réputation autour de cela en profitant de chaque opportunité pour rappeler un aspect de votre identité.

Si vous souhaitez découvrir plus de conseils concrets à propos du branding et de l’identité visuelle, je vous invite à lire cet autre article que j’ai rédigé à ce sujet : Branding pour les Musiciens : 5 Éléments d’une Image de Marque Réussie.

Musicalement,
Guillaume de Marketing Musical